Willkommen an der digitalen Werkbank.

Hier liegen über 175 Stunden kuratiertes Videomaterial aus meinen Vorlesungen – sauber gegliedert nach Schwierigkeitsgrad und Curriculum. Und das Archiv wächst dynamisch mit den Wegen, die wir im echten Unterricht gemeinsam einschlagen.

Wer hier einsteigt, lernt das Handwerk von der Pike auf. Und zwar ungeschönt: inklusive der Stolpersteine, Dead Ends und Fehlerzonen, die zu einer echten 3D-Pipeline einfach dazugehören. Die Tutorials sind exklusiv für meine Kurse produziert und daher per Login geschützt. Eine wichtige Grundregel für alle, die an den Schul-Workstations arbeiten: Bitte nach der Session immer ausloggen.

Wer gezielt Lösungen sucht, nutzt die Suchfunktion als Werkzeugkasten: Über Hashtags und Schlüsselwörter könnt ihr direkt zu den Kompetenzen und Techniken springen, die euer aktuelles Projekt gerade verlangt.

Viel Spaß beim Bauen und Ausprobieren! Und bei Fragen, neuen Ideen oder anderweitigem Redebedarf gilt wie im Unterricht: Jederzeit melden.

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Wer hier einsteigt, lernt das Handwerk von der Pike auf und vor allem ungeschönt. Inklusive aller Stolpersteine, Dead Ends und Fehlerkorrekturen, die zu einer echten 3D-Pipeline einfach dazugehören.

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Da die Tutorials exklusiv für meine Kurse produziert sind, ist dieser Bereich login-geschützt. Die eiserne Grundregel für die Schul-Workstations lautet daher:
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Ansonsten gilt wie im Unterricht: Viel Spaß beim Bauen und Ausprobieren! Bei Fragen, neuen Ideen oder Problemen in der Pipeline – einfach jederzeit melden.

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Full-Pipeline Architektur

Luzie

Der Teufel steckt im Detail

Mit 213 Videos und 102 Stunden Laufzeit auf Advanced-Level markiert die Luzie-Serie das absolute Herzstück meiner Dokumentationen. Es ist ein Projekt, das in seiner schieren Dimension ein reguläres Semester mühelos sprengt. Entstanden ist diese Serie einst aus der didaktischen Notwendigkeit heraus, eine Klasse mit extrem unterschiedlichem Leistungsspektrum und asynchronen Anwesenheitszeiten auf einen gemeinsamen Nenner zu bringen. Sie legte das Fundament für alles, was danach folgte.

Das primäre Ziel war ein semi-realistischer Charakter, der den Studierenden als Schablone dienen sollte, um sich flexibel in Richtung Realismus oder Stilisierung zu orientieren. Da der Wunsch nach Kreaturen und Monstern groß war, brauchte es ein humanoides Modell mit Schwanz, um Tail-Dynamics zu demonstrieren. Ein Teufel bot dafür die perfekte Schnittmenge. Dass im späteren Verlauf auf Schülerwunsch noch Flügel dazukamen – von mir völlig ungeplant, aber technisch machbar – machte die Figur im Nachhinein nur noch vielschichtiger.

Dazu kam der kompromisslose Werkzeugkasten einer vollständigen Produktion:

  • High-Poly & Retopology: ZBrush (DynaMesh Blockout, Resolution Crunching, Details und Custom Brushes (Alpha, IMM & VDM) und Maya.

  • Rigging & Simulation: 3ds Max für Fixes, UVs, CAT Rigging und gelayerte und prozedurale Animation, Skinning, Skin Morphs und Morph Targets, Custom Joystick Setups und Cloth Modeling mit Simulation Drivers.

  • Texturing & LookDev: Substance Painter, Zephyr für Photogrammetrie, Arnold Lighting & Rendering sowie verschiedene Hair/Fur-Ansätze (Fibers, Cards, Modeling).

  • Real-Time: Der finale, anfangs nicht anvisierte Sprung in die Unreal Engine samt Blueprint Character Control, Landscapes und Video Sequencer.

Ehrlicherweise missfällt mir die Qualität einiger Fell-Passagen und anderer Details bis heute. Diese Videos entstanden jedoch primär an meinen Wochenenden, bei extrem knappem Vorlauf zu den wöchentlichen Vorlesungen. Manchmal musste ausreichend schlichtweg gut genug sein, um die Deadline der Pipeline zu halten.

Die Serie seziert jeden einzelnen Schritt der Produktion mit all ihren Problemzonen. Alles ist durch-kommentiert, Werkzeuge und Prinzipien werden parallel zum laufenden Prozess erläutert. Und ja: Auch ich gerate mal ins Stolpern. Statt diese Fehler zu verheimlichen, zeige ich auf: Wie entdeckt man sie? Wohin führen sie ohne Korrektur? Und wie bügelt man sie effizient aus, ohne zentrale Meilensteine der Pipeline komplett neu aufrollen zu müssen?

Ursprünglich war ein Hochkant-Video für Handy-Displays mit lippen-synchroner Mimik geplant. Um den Studierenden mehr an die Hand zu geben, baute ich zusätzliche, loopfähige Animationen (Laufen, Rennen, Kriechen und Fliegen) ein.

Diese vermeintlich überflüssige Zusatzarbeit zahlte sich massiv aus: Als ich für den Unreal-Unterricht einspringen musste, hatte ich bereits einen voll riggierten Charakter zur Verfügung. Dank der sauberen Pipeline war Luzie in Geometrie und Textur bereits exakt an der Grenze zwischen Feature Film und „gameready“. Die vorhandenen Animationen ließen sich nahtlos einfügen. Die eigene Figur plötzlich spielbar durch ein selbst designtes Terrain zu steuern, war ein enorm befriedigender Payoff für ein Projekt, das als reines Render-Video gestartet war.

Genau hier zeigt sich nachhaltiges Design: Es ist plattformübergreifend einsetzbar und bietet absolute Wiederverwendbarkeit.
Der tatsächliche Flex an der Sache? Eine so robuste Produktions-Pipeline gestemmt zu haben, dass die empfindlichen Details am Ende in völlig verschiedenen Engines zu mehr verschmelzen als nur der Summe ihrer Einzelteile.

LowRes Poly-Count

Body
Eyes
EyesLiquid
GumHigh
GumLow
Horns
TeethHigh
TeethLow
Tongue
Wings
Beanie
Sneaker
Socks
Vest
ZipperLock
ZipperRail
Gloriole
NecklaceBeans
NecklaceCross
BeardHairCards
BeardPoly
BodyHairCards
BodyHairPoly

4760
552
480
506
440
170
700
650
102
1492
552
1498
552
1062
206
320
144
1128
86
1408
2267
646
1673

Sculpt Poly-Count

Sculpt
Wings
Flesh
Cloth

4874240
1527808
699712
2450394

Bones

Body
Tail
Wings
Facial
Beanie
Necklace

59
12
38
12
4
4

Verschiedenes

Morph Targets

Skin Morphs

Materials / Shader
non-optional
optional

20

4


6
3

Mit 213 Videos und 102 Stunden Laufzeit auf Advanced-Level ist die Luzie-Serie das absolute Herzstück meiner Dokumentationen – ein Projekt, das in seiner schieren Dimension ein reguläres Semester mühelos sprengt. Entstanden ist dieses Mammutprojekt einst aus reiner didaktischer Notwendigkeit: Ich brauchte einen gemeinsamen Nenner, um eine Klasse mit extrem unterschiedlichem Leistungsspektrum und asynchronen Anwesenheitszeiten auf Kurs zu halten.

Das Ziel war ein semi-realistischer Charakter, der als Schablone dienen sollte, um sich flexibel in Richtung Realismus oder Stilisierung orientieren zu können. Da der Wunsch nach Kreaturen groß war, brauchten wir ein humanoides Modell mit Schwanz für die Tail-Dynamics. Ein Teufel war die perfekte Schnittmenge. Dass im Verlauf auf Schülerwunsch ungeplant noch Flügel dazukamen, machte das Rigging im Nachhinein nur noch vielschichtiger.

Die Serie pflügt sich kompromisslos durch den kompletten Werkzeugkasten einer echten Produktion: High-Poly-Sculpting in ZBrush, Retopology in Maya, CAT-Rigging und Cloth-Simulationen in 3ds Max, Texturing in Substance Painter bis hin zu Photogrammetrie mit Zephyr und finalem Arnold-Rendering. Ehrlicherweise missfällt mir die Qualität einiger Fell-Passagen bis heute. Aber die Videos entstanden an meinen Wochenenden mit extrem knappem Vorlauf zu den Vorlesungen. Die Lektion hier lautet Pragmatismus: Manchmal muss „ausreichend“ schlichtweg „gut genug“ sein, um die Deadline der Pipeline zu halten.

Genau deshalb herrscht in den Videos echte Fehlerkultur statt Hochglanz-Illusion. Alles ist durchkommentiert, und ja, auch ich gerate im Prozess mal ins Stolpern. Statt diese Fehler heimlich rauszuschneiden, zeige ich sie auf: Wie entdeckt man sie? Wohin führen sie? Und wie bügelt man sie effizient aus, ohne zentrale Meilensteine der Pipeline komplett neu aufrollen zu müssen?

Der eigentliche Triumph des Projekts ergab sich am Ende durch ungeplante Extra-Meilen. Ursprünglich war nur ein Render-Video mit lippensynchroner Mimik geplant, doch ich baute zusätzliche, loopfähige Animationen wie Laufen, Rennen und Fliegen ein. Das zahlte sich massiv aus, als ich ungeplant für den Unreal-Unterricht einspringen musste. Dank der sauberen Vorarbeit war Luzie exakt an der Grenze zwischen Feature-Film und „gameready“. Die eigene Figur plötzlich spielbar durch ein selbst gebautes Terrain in der Engine zu steuern, war ein enorm befriedigender Payoff.

Genau das ist nachhaltiges Design. Der tatsächliche Flex dieses 100-Stunden-Marathons ist es, eine so robuste Produktions-Pipeline gestemmt zu haben, dass die Assets am Ende in völlig verschiedenen Engines zu weit mehr verschmelzen als nur der Summe ihrer Einzelteile.

Mit 213 Videos und 102 Stunden Laufzeit auf Advanced-Level ist die Luzie-Serie das absolute Herzstück meiner Dokumentationen – ein Projekt, das in seiner schieren Dimension ein reguläres Semester mühelos sprengt. Entstanden ist dieses Mammutprojekt einst aus reiner didaktischer Notwendigkeit: Ich brauchte einen gemeinsamen Nenner, um eine Klasse mit extrem unterschiedlichem Leistungsspektrum und asynchronen Anwesenheitszeiten auf Kurs zu halten.

Das Ziel war ein semi-realistischer Charakter, der als Schablone dienen sollte, um sich flexibel in Richtung Realismus oder Stilisierung orientieren zu können. Da der Wunsch nach Kreaturen groß war, brauchten wir ein humanoides Modell mit Schwanz für die Tail-Dynamics. Ein Teufel war die perfekte Schnittmenge. Dass im Verlauf auf Schülerwunsch ungeplant noch Flügel dazukamen, machte das Rigging im Nachhinein nur noch vielschichtiger.

Die Serie pflügt sich kompromisslos durch den kompletten Werkzeugkasten einer echten Produktion: High-Poly-Sculpting in ZBrush, Retopology in Maya, CAT-Rigging und Cloth-Simulationen in 3ds Max, Texturing in Substance Painter bis hin zu Photogrammetrie mit Zephyr und finalem Arnold-Rendering. Ehrlicherweise missfällt mir die Qualität einiger Fell-Passagen bis heute. Aber die Videos entstanden an meinen Wochenenden mit extrem knappem Vorlauf zu den Vorlesungen. Die Lektion hier lautet Pragmatismus: Manchmal muss „ausreichend“ schlichtweg „gut genug“ sein, um die Deadline der Pipeline zu halten.

Genau deshalb herrscht in den Videos echte Fehlerkultur statt Hochglanz-Illusion. Alles ist durchkommentiert, und ja, auch ich gerate im Prozess mal ins Stolpern. Statt diese Fehler heimlich rauszuschneiden, zeige ich sie auf: Wie entdeckt man sie? Wohin führen sie? Und wie bügelt man sie effizient aus, ohne zentrale Meilensteine der Pipeline komplett neu aufrollen zu müssen?

Der eigentliche Triumph des Projekts ergab sich am Ende durch ungeplante Extra-Meilen. Ursprünglich war nur ein Render-Video mit lippensynchroner Mimik geplant, doch ich baute zusätzliche, loopfähige Animationen wie Laufen, Rennen und Fliegen ein. Das zahlte sich massiv aus, als ich ungeplant für den Unreal-Unterricht einspringen musste. Dank der sauberen Vorarbeit war Luzie exakt an der Grenze zwischen Feature-Film und „gameready“. Die eigene Figur plötzlich spielbar durch ein selbst gebautes Terrain in der Engine zu steuern, war ein enorm befriedigender Payoff.

Genau das ist nachhaltiges Design. Der tatsächliche Flex dieses 100-Stunden-Marathons ist es, eine so robuste Produktions-Pipeline gestemmt zu haben, dass die Assets am Ende in völlig verschiedenen Engines zu weit mehr verschmelzen als nur der Summe ihrer Einzelteile.

Luzie_Teufelskreis
Luzie_SketchStyle
Luzie_DeepSouth

#Zbrush, #BlockOut, #DynaMesh, #Sculpting, #Maya, #Retopo, #UVW, #Substance Painter, #Baking, #CAT, #Rigging, #Skinning, #Animation, #Arnold, #Unreal

Cheese Dome

Physik, Bezierkurven und Laktose

Der Cheese Dome ist kein nettes kleines Übungsobjekt für zwischendurch.
Mit 67 Videos und 38,3 Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level verlangt diese Serie einiges ab. Wer hier einsteigt, bringt bereits ein stabiles Fundament in Modeling und Topologie mit – und lernt nun, diese Basics synergetisch mit völlig neuen Techniken zu verweben.

Das Projekt vereint eine gnadenlose Mischung aus 3ds Max Spline Modeling, Booleans und  tiefgreifendem UV-Unwrapping. Das Ziel: extrem unterschiedliche Shader wie Holz, Glas, Käse und Seil absolut authentisch aufzubauen.
Parallel hauchen modifikatorbasierte Animationen und präzise Kurven-justierungen der Szene echtes Leben ein. Die zentrale Lektion dabei: Bewegungen wirken erst durch durchdachte Überlappungen und Vielschichtigkeit wirklich organisch – und das Ganze bitte, ohne die Szene mit chaotischem Datenmüll zu crashen.

Wir spulen den Texturierungs-Prozess zurück und werfen einen Blick in die technische Vergangenheit: Das Backen von Surface Maps direkt in 3ds Max. Das sind exakt jene Maps, die Substance Painter heute bequem im Hintergrund berechnet, damit Smart Materials überhaupt funktionieren. Bevor wir uns jedoch blind auf Automatismen verlassen, schlüsseln wir das System auf und bauen die Texturen händisch in Photoshop zusammen.

Erst wenn dieses fundamentale, mechanische Verständnis sitzt, wechseln wir rüber zu Substance Painter. Und dort gibt es dann die große Hafenrundfahrt:
von händischem Texturieren über physikalische Partikel bis hin zu Verankerungen (Anchors) im Stack und der präzisen Justierung prozeduraler Generatoren.

Der inszenatorische Höhepunkt? Die Befreiung aus der Käseglocke. Sobald der Schutz fällt, reagiert der Inhalt auf den plötzlichen Luftkontakt: Der Käse explodiert.

Das Schöne an diesem Chaos: Weder die Käsekrumen noch die zerspringende Glocke sind plump von Hand animiert. Hier regieren echte physikalische Kräfte. Wir analysieren exakt, welche dynamischen Kräfte auf welches Volumen wirken und wie Parameter wie Reibungs-koeffizienten, Masse und Dichte das Verhalten der Geometrie diktieren. Für die anschließende Rauchwolke kommen VDBs zum Einsatz – das absolute Standardwerkzeug für vorkalkulierte Fluid Dynamics, das heute branchenweit fast jede Pipeline antreibt.

Wer den Cheese Dome erfolgreich absolviert, weiß, wie man starre Objekte zum Leben erweckt, komplexe Shader kontrolliert und physikalisch korrekt in Szene setzt. Das nächste große Level – Character Creation und Animation – flößt danach vielleicht noch gesunden Respekt ein, führt aber garantiert zu keiner Schockstarre mehr.

Der Cheese Dome ist absolut kein nettes kleines Übungsobjekt für zwischendurch. Mit massiven 67 Videos und über 38 Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level verlangt diese Serie einiges ab. Wer hier einsteigt, bringt bereits ein stabiles Fundament in Modeling und Topologie mit – und lernt nun, diese Basics mit neuen Techniken wie tiefgreifendem Spline-Modeling, Booleans und komplexem UV-Unwrapping zu verweben. Das klare Ziel: extrem unterschiedliche Materialien wie Holz, Glas, Käse und Seil absolut authentisch aufzubauen.

Parallel hauchen modifikatorbasierte Animationen und präzise Kurvenjustierungen der Szene Leben ein. Die zentrale Lektion dabei: Bewegungen wirken erst durch vielschichtige Überlappungen wirklich organisch – ganz ohne den Workspace mit chaotischem Datenmüll zu crashen.

Bevor wir uns blind auf Textur-Automatismen verlassen, werfen wir einen Blick unter die Motorhaube. Wir backen Surface Maps klassisch direkt in 3ds Max und setzen sie händisch in Photoshop zusammen, um exakt zu verstehen, wie moderne Smart Materials im Hintergrund überhaupt funktionieren. Erst wenn dieses mechanische Verständnis sitzt, wechseln wir für die große Hafenrundfahrt zu Substance Painter: vom händischen Texturieren über physikalische Partikel bis hin zu Stack-Verankerungen (Anchors) und prozeduralen Generatoren.

Der inszenatorische Höhepunkt ist die Befreiung aus der Käseglocke. Sobald der Schutz fällt, explodiert der Käse durch den plötzlichen Luftkontakt. Das Chaos ist dabei nicht plump von Hand animiert, sondern wird durch echte physikalische Kräfte diktiert. Wir analysieren, wie Reibungskoeffizienten, Masse und Dichte das Verhalten der zerspringenden Geometrie steuern, und nutzen VDBs für die finale Rauchwolke – den Branchenstandard für Fluid Dynamics.

Wer dieses Bootcamp übersteht, verfällt auch vor dem nächsten Endgegner im Curriculum – der Character Creation und Animation – garantiert in keine Schockstarre mehr.

Der Cheese Dome ist absolut kein nettes kleines Übungsobjekt für zwischendurch. Mit massiven 67 Videos und über 38 Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level verlangt diese Serie einiges ab. Wer hier einsteigt, bringt bereits ein stabiles Fundament in Modeling und Topologie mit – und lernt nun, diese Basics mit neuen Techniken wie tiefgreifendem Spline-Modeling, Booleans und komplexem UV-Unwrapping zu verweben. Das klare Ziel: extrem unterschiedliche Materialien wie Holz, Glas, Käse und Seil absolut authentisch aufzubauen.

Parallel hauchen modifikatorbasierte Animationen und präzise Kurvenjustierungen der Szene Leben ein. Die zentrale Lektion dabei: Bewegungen wirken erst durch vielschichtige Überlappungen wirklich organisch – ganz ohne den Workspace mit chaotischem Datenmüll zu crashen.

Bevor wir uns blind auf Textur-Automatismen verlassen, werfen wir einen Blick unter die Motorhaube. Wir backen Surface Maps klassisch direkt in 3ds Max und setzen sie händisch in Photoshop zusammen, um exakt zu verstehen, wie moderne Smart Materials im Hintergrund überhaupt funktionieren. Erst wenn dieses mechanische Verständnis sitzt, wechseln wir für die große Hafenrundfahrt zu Substance Painter: vom händischen Texturieren über physikalische Partikel bis hin zu Stack-Verankerungen (Anchors) und prozeduralen Generatoren.

Der inszenatorische Höhepunkt ist die Befreiung aus der Käseglocke. Sobald der Schutz fällt, explodiert der Käse durch den plötzlichen Luftkontakt. Das Chaos ist dabei nicht plump von Hand animiert, sondern wird durch echte physikalische Kräfte diktiert. Wir analysieren, wie Reibungskoeffizienten, Masse und Dichte das Verhalten der zerspringenden Geometrie steuern, und nutzen VDBs für die finale Rauchwolke – den Branchenstandard für Fluid Dynamics.

Wer dieses Bootcamp übersteht, verfällt auch vor dem nächsten Endgegner im Curriculum – der Character Creation und Animation – garantiert in keine Schockstarre mehr.

#3ds Max, #Spline, #Boolean, #UVW, #Baking, #Modifier, #Substance Painter, #VDB, #Arnold

stuffed Giraffe

flauschige Topologie und Schwimmübungen

Das Kuscheltier-Projekt sieht harmloser aus, als es in Wahrheit ist. Mit 14 Videos und 8,5 Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level hält diese Serie einige bewusste Fallstricke parat. Es ist die ideale Vorbereitung auf wildere Gewässer – konzipiert, um die grundlegenden Methoden der Character Creation und Animation in einem geschlossenen Durchlauf aufzufrischen und mechanisch zu verinnerlichen.

Da im Laufe der Ausbildung unterschiedlichste Software zum Einsatz kommt, schadet ein strukturiertes – wenn auch niedliches – Bootcamp absolut niemandem. Der massive Schwerpunkt liegt hier auf einer kompromisslos animationstauglichen Topologie. Die Wahl der Modeling-Software steht jedem frei, aber wer glaubt, er könne sich hier mit gerasterten Modellen und unnötig dichten Edge-Loops durchmogeln, hat sich geschnitten.

An diesem Punkt der Ausbildung wird digitaler Datenmüll schlichtweg nicht mehr toleriert. Die eiserne Pipeline-Regel greift unerbittlich: Je weniger überflüssige Polygone man auf seinem Weg mitschleppt, desto weniger Problemzonen explodieren einem später beim Unwrap, Rigging und Skinning im Gesicht.

Wir pflügen einmal sauber durch die komplette Architektur:

  • Modeling & Vorbereitung:
    Image Plane Setup, Wiederholung der Edit-Poly-Werkzeuge, Blocking, Edge Loop- und Box Modeling.

  • Technisches Setup:
    UV-Unwrapping und die Konstruktion eines flexiblen CAT-Rigs.

  • Look & Movement:
    Skinning, der Einsatz von Hair & Fur-Modifikatoren sowie die finale Animation.

Kurzum:
Dieses Projekt ist die letzte perfekte Gelegenheit, das eigene Wissen im Nichtschwimmerbereich auf den Prüfstand zu stellen – bevor es im großen Character-Teil ins Wellenbad geht, wo einfach niemand durchkommt, ohne auch mal Wasser zu schlucken.

Das Kuscheltier-Projekt sieht deutlich harmloser aus, als es in Wahrheit ist. Mit 14 Videos und achteinhalb Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level versteckt diese Serie ganz bewusst einige Fallstricke. Es ist als strukturiertes Bootcamp konzipiert, um die wesentlichen Methoden der Character-Creation und Animation in einem geschlossenen Durchlauf aufzufrischen und mechanisch tief zu verinnerlichen.

Der massive Schwerpunkt liegt hier auf einer kompromisslos animationstauglichen Topologie. Die Wahl der Modeling-Software ist jedem freigestellt, aber wer glaubt, er könne sich mit unnötig dichten Edge-Loops durchmogeln, irrt gewaltig. An diesem Punkt der Ausbildung wird digitaler Datenmüll schlichtweg nicht mehr toleriert. Die eiserne Pipeline-Regel greift unerbittlich: Je weniger überflüssige Polygone man mitschleppt, desto weniger Problemzonen explodieren einem später beim Unwrap, Rigging und Skinning im Gesicht.

Wir pflügen einmal sauber durch die komplette Produktions-Architektur. Das beginnt beim Image Plane Setup und klassischen Blocking über sauberes Box- und Edge-Loop-Modeling. Danach folgt das technische Fundament mit UV-Unwrapping und der Konstruktion eines flexiblen CAT-Rigs, bis wir dem Charakter über Skinning, den Einsatz von Hair & Fur-Modifikatoren und die finale Animation Leben einhauchen.

Kurzum: Dieses Projekt ist die letzte perfekte Gelegenheit, das eigene Wissen im sicheren Nichtschwimmerbereich auf den Prüfstand zu stellen – bevor es im großen Character-Teil endgültig ins Wellenbad geht, wo einfach niemand durchkommt, ohne auch mal Wasser zu schlucken.

Das Kuscheltier-Projekt sieht deutlich harmloser aus, als es in Wahrheit ist. Mit 14 Videos und achteinhalb Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level versteckt diese Serie ganz bewusst einige Fallstricke. Es ist als strukturiertes Bootcamp konzipiert, um die wesentlichen Methoden der Character-Creation und Animation in einem geschlossenen Durchlauf aufzufrischen und mechanisch tief zu verinnerlichen.

Der massive Schwerpunkt liegt hier auf einer kompromisslos animationstauglichen Topologie. Die Wahl der Modeling-Software ist jedem freigestellt, aber wer glaubt, er könne sich mit unnötig dichten Edge-Loops durchmogeln, irrt gewaltig. An diesem Punkt der Ausbildung wird digitaler Datenmüll schlichtweg nicht mehr toleriert. Die eiserne Pipeline-Regel greift unerbittlich: Je weniger überflüssige Polygone man mitschleppt, desto weniger Problemzonen explodieren einem später beim Unwrap, Rigging und Skinning im Gesicht.

Wir pflügen einmal sauber durch die komplette Produktions-Architektur. Das beginnt beim Image Plane Setup und klassischen Blocking über sauberes Box- und Edge-Loop-Modeling. Danach folgt das technische Fundament mit UV-Unwrapping und der Konstruktion eines flexiblen CAT-Rigs, bis wir dem Charakter über Skinning, den Einsatz von Hair & Fur-Modifikatoren und die finale Animation Leben einhauchen.

Kurzum: Dieses Projekt ist die letzte perfekte Gelegenheit, das eigene Wissen im sicheren Nichtschwimmerbereich auf den Prüfstand zu stellen – bevor es im großen Character-Teil endgültig ins Wellenbad geht, wo einfach niemand durchkommt, ohne auch mal Wasser zu schlucken.

#3ds Max, #Edit Poly, #Topology, #UVW, #CAT, #Animation

Axe & Shield

Ungeschärfte Axt im topologischen Schilderwald

Das Axe & Shield-Projekt bildet mit 22 Videos und 9,8 Stunden auf Beginner-Level den kompromisslosen Auftakt einer ineinandergreifenden Vorlesungsreihe. Wer hier einsteigt, lernt von der Pike auf, was vorausschauende Geometrieplanung in der Praxis wirklich bedeutet.

Topologie als Fundament Das primäre Ziel ist simpel, aber der absolute Klassiker unter den Anfänger-Stolpersteinen: die sichere Kontrolle über verschiedene Modellierungstechniken und das Verständnis für die daraus resultierende Topologie. Denn die eiserne Regel der Pipeline schlägt hier sofort zu: Wer beim Modeling pfuscht oder falsche Abkürzungen nimmt, zahlt die Zeche direkt beim komplizierten UV-Unwrap – und wird am Ende mit minderwertiger Texturqualität bestraft.

Workflows im Stresstest Hier wird nichts dem Zufall überlassen oder blind glattgebügelt. Wir schlagen ganz bewusst parallele Wege ein, um die Werkzeuge direkt gegeneinander antreten zu lassen: Spline- vs. Polygon-Modeling, klassisches SubDiv-Sculpting vs. freies Sculpting mit anschließender, zwingender Retopologisierung. Die sichere Brücke (Export/Import) hinüber zu Substance Painter bildet das handwerkliche Fundament dieser Serie.

Der Ausblick Angedacht sind künftig verschiedene Rigging-Ansätze, um am Ende eine stark überzeichnete, cartooneske Animation abzuliefern, in der Axt und Schild zu echten, lebendigen Protagonisten werden. Die passenden Animationsmethoden und technischen Unterbauten liegen bereits in der Schublade – mal sehen, wann mir das Curriculum die Lücke für diese Fortsetzung lässt.

Axe & Shield

Mit 22 Videos und fast zehn Stunden Laufzeit auf Beginner-Level bildet dieses Projekt den kompromisslosen Auftakt einer ineinandergreifenden Vorlesungsreihe. Wer hier einsteigt, lernt von der Pike auf, was vorausschauende Geometrieplanung in der Produktionspraxis wirklich bedeutet.

Das primäre Ziel ist der absolute Klassiker unter den Anfänger-Stolpersteinen: die sichere Kontrolle über verschiedene Modellierungstechniken und das tiefe Verständnis für die daraus resultierende Topologie. Hier greift die eiserne Regel der Pipeline gnadenlos: Wer beim Modeling pfuscht oder schnelle Abkürzungen sucht, zahlt die Zeche spätestens beim UV-Unwrap und wird am Ende unweigerlich mit minderwertiger Texturqualität bestraft.

Statt Fehler einfach blind glattzubügeln, schlagen wir ganz bewusst parallele Wege ein, um die Werkzeuge im direkten Stresstest gegeneinander antreten zu lassen. Wir vergleichen Spline- mit Polygon-Modeling und stellen klassisches SubDiv-Modeling dem freien Sculpting inklusive zwingender Retopologisierung gegenüber. Den Abschluss dieses handwerklichen Fundaments bildet der saubere Brückenschlag für den Export rüber zu Substance Painter.

Der Ausblick für die Zukunft steht ebenfalls schon: Angedacht sind verschiedene Rigging-Ansätze, um am Ende eine stark überzeichnete, cartooneske Animation abzuliefern, in der Axt und Schild zu echten, lebendigen Protagonisten werden. Die passenden mechanischen Unterbauten und Animationsmethoden liegen bereits fertig in der Schublade – mal sehen, wann mir das laufende Curriculum die Lücke für diese Fortsetzung lässt.

Axe & Shield

Mit 22 Videos und fast zehn Stunden Laufzeit auf Beginner-Level bildet dieses Projekt den kompromisslosen Auftakt einer ineinandergreifenden Vorlesungsreihe. Wer hier einsteigt, lernt von der Pike auf, was vorausschauende Geometrieplanung in der Produktionspraxis wirklich bedeutet.

Das primäre Ziel ist der absolute Klassiker unter den Anfänger-Stolpersteinen: die sichere Kontrolle über verschiedene Modellierungstechniken und das tiefe Verständnis für die daraus resultierende Topologie. Hier greift die eiserne Regel der Pipeline gnadenlos: Wer beim Modeling pfuscht oder schnelle Abkürzungen sucht, zahlt die Zeche spätestens beim UV-Unwrap und wird am Ende unweigerlich mit minderwertiger Texturqualität bestraft.

Statt Fehler einfach blind glattzubügeln, schlagen wir ganz bewusst parallele Wege ein, um die Werkzeuge im direkten Stresstest gegeneinander antreten zu lassen. Wir vergleichen Spline- mit Polygon-Modeling und stellen klassisches SubDiv-Modeling dem freien Sculpting inklusive zwingender Retopologisierung gegenüber. Den Abschluss dieses handwerklichen Fundaments bildet der saubere Brückenschlag für den Export rüber zu Substance Painter.

Der Ausblick für die Zukunft steht ebenfalls schon: Angedacht sind verschiedene Rigging-Ansätze, um am Ende eine stark überzeichnete, cartooneske Animation abzuliefern, in der Axt und Schild zu echten, lebendigen Protagonisten werden. Die passenden mechanischen Unterbauten und Animationsmethoden liegen bereits fertig in der Schublade – mal sehen, wann mir das laufende Curriculum die Lücke für diese Fortsetzung lässt.

#3ds Max, #Edit Spline, #Edit Poly, #Topology, #UVW, #Substance Painter

3ds Max Setup und Intro

Aller Anfang ist schwer (wenn die Basis wackelt)

Das Setup-Projekt bringt es auf schlanke 3 Videos und 1,2 Stunden auf Beginner-Level, bildet dafür aber das absolute Fundament für alles, was im Curriculum danach kommt. Um einen konstanten gemeinsamen Nenner zu definieren – und den Studierenden jederzeit eine verlässliche, technische Anlaufstelle zum Nachschlagen zu geben –, habe ich diesen Basis-Block konzipiert.

Hier wird noch kein heißes Design-Eisen geschmiedet, hier wird die Werkbank justiert. Allgemeine Grundlagen wie Maßeinheiten, Framerates (Animationsgeschwindigkeiten) und systemische Grundeigenschaften werden unmissverständlich im System verankert. Wir dekonstruieren die Benutzeroberfläche und modifizieren sie so, dass sie im kreativen Prozess später nicht im Weg steht, sondern den Workflow effizient stützt. Dazu kommt ein essenzieller Deep Dive in Transformationen und Koordinatensysteme – sowohl global auf die 3D-Welt bezogen, als auch lokal auf die spezifischen Werkzeuge.

Kurzum: Diese Videos demonstrieren ohne Umschweife, wie man ein frisch installiertes 3ds Max exakt so einrichtet, wie wir es im Unterricht konstant nutzen. Das eliminiert Fehlerquellen von vornherein: Es ist sichergestellt, dass zu Hause niemand vor einer abweichenden UI oder mit falschen Systemeinheiten hantiert, sondern exakt dieselbe Programmumgebung bootet, die in allen meinen folgenden Pipeline-Dokumentationen als Standard vorausgesetzt wird.

Mit schlanken drei Videos und gut einer Stunde Laufzeit auf Beginner-Level ist dieser Block das absolute Fundament für das gesamte weitere Curriculum. Um einen konstanten gemeinsamen Nenner zu definieren und jederzeit eine verlässliche Anlaufstelle zum Nachschlagen zu bieten, war dieses Basis-Setup zwingend nötig.

Hier wird noch kein heißes Design-Eisen geschmiedet, hier wird erst einmal die Werkbank justiert. Allgemeine Grundlagen wie Maßeinheiten, Framerates und systemische Grundeigenschaften werden unmissverständlich im System verankert. Wir nehmen die Benutzeroberfläche komplett auseinander und modifizieren sie so, dass sie im kreativen Prozess später stützt und nicht im Weg steht. Dazu kommt ein essenzieller Deep Dive in Transformationen und Koordinatensysteme – sowohl global für die 3D-Welt als auch lokal bezogen auf spezifische Werkzeuge.

Kurzum: Diese Videos zeigen ohne Umschweife, wie man ein frisch installiertes 3ds Max exakt so einrichtet, wie es bei uns im Unterricht genutzt wird. Das eliminiert die häufigsten Fehlerquellen von vornherein. So ist sichergestellt, dass am heimischen Rechner niemand mit einer abweichenden UI oder falschen Systemeinheiten kämpft, sondern exakt dieselbe Programmumgebung bootet, die in allen meinen folgenden Pipeline-Dokumentationen als Standard vorausgesetzt wird.

#3ds Max, #UI, #Custom

Lego-Steine

Scharfkantige Topologie – watch your step!

Das Lego-Steine-Projekt packt mit 8 Videos und 5,3 Stunden auf Beginner-Level eine scheinbar banale Geometrie an – und zeigt eindrucksvoll, wie viel technisches Fundament tatsächlich in einem simplen Plastikklötzchen stecken muss.

Die Serie startet mit dem strategischen Modeling des Steins. Hier geht es um die topologisch saubere und sinnhafte Verschmelzung von Kuben, Zylindern und Hohlräumen. Das ist keine Spielerei, sondern kompromissloses Handwerk. Im gleichen Zug werden Konzepte wie Support Edges und Crease Edges detailliert gegeneinander abgewogen, damit die Hardsurface-Kanten bei der späteren Unterteilung (SubDiv) am Ende messerscharf sitzen und nicht verwaschen.

Der wahre Kern und eigentliche Fokus der Videos liegt jedoch tief in der Technik des UV-Unwraps. Wir dekonstruieren das zugrundeliegende Konzept und nehmen wirklich jede Funktion und Option des Modifikators systematisch auseinander.

Mit einer einzigen, bewussten Ausnahme: Pelt und Peel. Da diese Mapping-Algorithmen primär für das Entfalten organischer Körper und geschwungener Geometrien konzipiert sind, und einem Lego-Stein beim besten Willen kein organisches Attribut zuzuschreiben ist, heben wir uns diese spezifischen Werkzeuge ganz logisch für den Advanced-Level und die Character-Creation auf.

Das Lego-Steine-Projekt nimmt sich mit acht Videos und stolzen 5,3 Stunden auf Beginner-Level eine scheinbar banale Geometrie vor. Doch es zeigt eindrucksvoll, wie viel knallhartes technisches Fundament tatsächlich in einem simplen Plastikklötzchen steckt.

Wir starten mit dem strategischen Modeling des Steins: Es geht um die saubere, topologisch sinnvolle Verschmelzung von Kuben, Zylindern und Hohlräumen. Das ist keine Spielerei, sondern kompromissloses Hard-Surface-Handwerk. Dabei wägen wir Konzepte wie Support Edges und Crease Edges detailliert gegeneinander ab, damit die Kanten bei der späteren Unterteilung (SubDiv) am Ende messerscharf sitzen und nicht verwaschen.

Der eigentliche Kern und wahre Fokus dieser Serie liegt jedoch tief im Maschinenraum des UV-Unwraps. Wir dekonstruieren das zugrundeliegende Konzept und nehmen wirklich jede Funktion und Option des Modifikators systematisch auseinander.

Mit einer einzigen, ganz bewussten Ausnahme: Pelt und Peel. Da diese speziellen Mapping-Algorithmen primär für das Entfalten organischer Körper und geschwungener Geometrien konzipiert sind, und man einem Lego-Stein beim besten Willen kein organisches Attribut zuschreiben kann, klammern wir sie hier aus. Wir heben uns diese spezifischen Werkzeuge ganz pragmatisch für den Advanced-Level und die spätere Character-Creation auf.

#3ds Max, #Topology, #UVW

CAT Layers & Motions

Die neun Leben der Character Animation Tools

Das CAT Layers & Motions-Projekt bringt es mit 4 Videos und 1,7 Stunden auf Intermediate-Level zwar auf eine sehr kompakte Laufzeit, genießt im Archiv aber absoluten Exoten-Status. Wer hier einsteigt, bekommt kein oberflächliches How-to serviert, sondern die volle Dröhnung Systemwissen.

Wir klammern das Rigging hier komplett aus – das Fundament steht bereits. In dieser Serie lege ich das gesamte CAT-Animations-System (Character Animation Toolkit) in 3ds Max offen und seziere nahezu jede verfügbare Funktion inklusive ihrer mechanischen Anwendung. Wir beleuchten klassische händische Animation, prozedurale Workflows, lokale und globale Manipulationen sowie präzise Kurvenjustierungen.

Der Deep Dive reicht bis tief in die Knochen-Hierarchie: Ich zeige, wie man IK-Ketten (Inverse Kinematics) temporär umgeht und kürzt, damit Charaktere physikalisch korrekt auf den Knien über den Boden kriechen können. Wir analysieren zudem, wie man die automatische Boden-erkennung (Footsteps) dazu zwingt, auch auf extrem unebenen Terrains fehlerfrei zu berechnen.

Um eines ganz klarzustellen: In dieser Serie geht es explizit nicht darum, hübsche, polierte Animationen für die Portfolio-Vitrine zu rendern. Es geht ausschließlich darum, sich mit der Bedienoberfläche dieses komplexen Werkzeugs blind vertraut zu machen und die knallharte Logik zu verstehen, die den Parametern zugrunde liegt. Viel Spaß beim Zweckentfremden der Tools!

Und der tatsächliche Flex an diesem Modul? Dieses komprimierte Wissen über die tiefen Layer-Strukturen von CAT ist in dieser Form weder auf YouTube noch irgendwo sonst im Netz zu finden.
Ich habe nachgesehen.

Das CAT Layers & Motions-Projekt bringt es mit vier Videos und knapp eindreiviertel Stunden auf Intermediate-Level zwar auf eine sehr kompakte Laufzeit, genießt im Archiv aber absoluten Exoten-Status. Wer hier einsteigt, bekommt kein oberflächliches How-to serviert, sondern die volle Dröhnung Systemwissen.

Das reine Rigging klammern wir hier komplett aus – das Fundament steht bereits. Stattdessen lege ich das gesamte CAT-Animations-System (Character Animation Toolkit) in 3ds Max offen und seziere nahezu jede verfügbare Funktion inklusive ihrer mechanischen Anwendung. Wir decken klassische händische Animation, prozedurale Workflows, lokale und globale Manipulationen sowie präzise Kurvenjustierungen ab.

Der Deep Dive reicht dabei bis tief in die Knochen-Hierarchie: Ich zeige, wie man IK-Ketten (Inverse Kinematics) temporär umgeht und kürzt, damit Charaktere physikalisch korrekt auf den Knien über den Boden kriechen können. Wir analysieren zudem, wie man die automatische Bodenerkennung (Footsteps) dazu zwingt, selbst auf extrem unebenen Terrains fehlerfrei zu berechnen.

Um das klarzustellen: In dieser Serie geht es explizit nicht darum, hübsche, polierte Animationen für die Portfolio-Vitrine zu rendern. Es geht ausschließlich darum, sich mit der Bedienoberfläche dieses komplexen Werkzeugs blind vertraut zu machen und die knallharte Logik zu verstehen, die all diesen Parametern zugrunde liegt. Viel Spaß beim Zweckentfremden der Tools!

Und der tatsächliche Flex an diesem Modul? Dieses komprimierte Wissen über die tiefen Layer-Strukturen von CAT ist in dieser Form weder auf YouTube noch irgendwo sonst im Netz zu finden. Ich habe nachgesehen.

#3ds Max, #CAT, #Animation

Unreal Intro

Neue Wege, Ladenschließungen und Echtzeit

Die Unreal Intro-Serie schlägt mit kompakten 7 Videos und 2,5 Stunden auf Beginner-Level die perfekte Brücke für alle, die bisher ausschließlich in klassischen DCC-Pipelines (wie 3ds Max oder Maya) gearbeitet haben. Hier wird niemand mit komplexer Blueprint-Logik erschlagen – dieses Modul dient als absolut niedrigschwelliger, pragmatischer Einstieg in die Echtzeit-Umgebung.

Wir fangen bei null an: Wie legt man ein Projekt technisch sauber an, und wie liest man die Benutzeroberfläche? Danach machen wir einen geführten Ausflug durch vorgefertigte Level, um ein Gefühl für den Raum und die Engine-Navigation zu bekommen. Sobald die Orientierung sitzt, erarbeiten wir Schritt für Schritt die erste eigene Kamera-Animation und zerlegen den Sequencer – das absolute Herzstück für filmische Render-Sequenzen in Unreal.

Dazu gehört auch ein historischer Blick in den Maschinenraum der Materialbeschaffung: Ein Ausflug in den ehemals eigenständigen Quixel- und MegaScans-Shop, der mittlerweile nahtlos in Fab integriert wurde. Wir klären, wie man externe Assets zieht und einbindet, und gehen den kritischen Weg des Imports durch: Wie bringt man eigene Geometrien aus anderer Software verlustfrei in die Engine und bestückt sie korrekt mit Texturen? Den Abschluss bildet ein kompakter Überblick über das landschaftliche Terraforming und manuelles Foliage-Painting.

Machen wir uns nichts vor: Nichts aus diesem ersten Setup erhebt den Anspruch auf finale Produktionsreife oder taugt direkt für das nächste AAA-Game. Aber es liefert exakt das, was nötig ist: einen schnellen, schmerzfreien Rundumblick in ein Werkzeug, das unsere gesamte Branche gerade von hinten aufrollt.

Unreal Intro

Die Unreal Intro-Serie schlägt mit sieben kompakten Videos und gut zweieinhalb Stunden Laufzeit auf Beginner-Level genau die richtige Brücke. Sie ist für alle gedacht, die bisher ausschließlich in klassischen DCC-Pipelines wie 3ds Max oder Maya zu Hause waren. Niemand wird hier direkt mit komplexer Blueprint-Logik erschlagen. Dieses Modul ist als absolut niedrigschwelliger, pragmatischer Einstieg in die Echtzeit-Umgebung konzipiert.

Wir fangen wirklich ganz vorne an: Wie legt man ein Projekt technisch sauber an und wie liest man überhaupt diese Benutzeroberfläche? Nach einem geführten Ausflug durch vorgefertigte Level, um ein erstes Gefühl für den Raum und die Navigation zu bekommen, geht es an die Arbeit. Wir bauen Schritt für Schritt die erste eigene Kamera-Animation auf und zerlegen den Sequencer – das absolute Herzstück für filmische Render-Sequenzen in Unreal.

Ein essenzieller Teil der Pipeline ist die Materialbeschaffung. Wir werfen einen kurzen Blick auf den ehemals eigenständigen Quixel- und MegaScans-Shop, der mittlerweile nahtlos in Fab integriert wurde. Wir klären, wie man externe Assets zieht und – noch wichtiger – wie der kritische Weg des Imports funktioniert: Wie bringt man eigene Geometrien aus anderer Software verlustfrei in die Engine und bestückt sie korrekt mit Texturen? Ein kompakter Überblick über landschaftliches Terraforming und manuelles Foliage-Painting rundet das Paket ab.

Machen wir uns nichts vor: Nichts aus diesem ersten Setup erhebt den Anspruch auf finale Produktionsreife oder taugt direkt für das nächste AAA-Game. Aber es liefert exakt das, was am Anfang nötig ist: einen schnellen, schmerzfreien Rundumblick in genau das Werkzeug, das unsere gesamte Branche gerade von hinten aufrollt.

#Unreal, #UI, #Import, #Landscape

Unreal Blocks

Raytracing zum Anfassen, schrumpfende Objekte und nackte Engine-Logik

Das Unreal Blocks-Projekt hält sich mit 7 Videos und 2,8 Stunden auf Intermediate-Level gar nicht erst mit optischem Schnickschnack auf. Hier wird direkt die Motorhaube aufgerissen und tief in den Maschinenraum geschaut. Es ist der technische Deep Dive für alle, die verstehen wollen, wie der Engine-Motor von innen aussieht und taktet.

Die Lektionen demonstrieren punktgenau, wie Raytracing in der Praxis greift und wie man echte Live-Interaktionen mit der Umgebung aufbaut. Wir verpassen simplen Geometrien komplexe, Blueprint-gesteuerte Eigenschaften: Auf Knopfdruck schrumpfen Objekte, lassen sich mechanisch öffnen und schließen, physikalisch korrekt stapeln oder verwandeln sich nahtlos in interaktive Lichtquellen.

Um das klar zu benennen: In dieser Serie geht es absolut nicht darum, ein optisch atemberaubendes Meisterwerk für die Portfolio-Galerie zu erschaffen. Der Fokus liegt zu hundert Prozent auf der nackten Mechanik. Das Ziel ist es, die zugrundeliegende Logik und visuelle Syntax der Engine zu durchdringen. Wir bauen Setups, die technisch absolut robust funktionieren, um dieses methodische Wissen später in künftigen, größeren Environments souverän und spielerisch abzurufen.

Mit sieben Videos und knapp drei Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level hält sich dieses Projekt gar nicht erst mit optischem Schnickschnack auf. Hier wird ohne Umwege direkt die Motorhaube aufgerissen und tief in den Maschinenraum geschaut. Es ist ein waschechter technischer Deep Dive für alle, die wirklich verstehen wollen, wie der Engine-Motor von innen aussieht und im Detail taktet.

Die Lektionen demonstrieren punktgenau, wie Raytracing in der Praxis greift und wie man echte Live-Interaktionen mit der Umgebung aufbaut. Wir verpassen völlig simplen Geometrien komplexe, Blueprint-gesteuerte Eigenschaften: Auf Knopfdruck schrumpfen Objekte, lassen sich mechanisch öffnen und schließen, physikalisch korrekt aufeinanderstapeln oder verwandeln sich nahtlos in interaktive Lichtquellen.

Um das ganz klar zu benennen: In dieser Serie geht es absolut nicht darum, ein optisch atemberaubendes Meisterwerk für das Portfolio zu erschaffen. Der Fokus liegt zu hundert Prozent auf der nackten Mechanik. Das primäre Ziel ist es, die zugrundeliegende Logik und die visuelle Syntax der Engine wirklich zu durchdringen. Wir bauen hier isolierte Setups, die technisch absolut robust funktionieren, um genau dieses methodische Fundament später in großen, komplexen Environments völlig souverän und spielerisch abrufen zu können.

#Unreal, #Raytracing, #Trigger

Luna

sprechende Mondgesichter und George Méliès

Das Luna-Projekt ist mit gerade einmal einem Video, aber massiven 3 Stunden Laufzeit auf Advanced-Level ein absoluter Sonderfall im Archiv. Wer hier einsteigt, betritt eine echte Grauzone der Character Creation: ein Thema, über das niemand redet und für das erst recht niemand eine öffentliche Best-Practice-Lösung präsentiert – der Mundinnenraum bei gesculpteten Charakteren. Es ist eine absolut unverzichtbare Problemzone für jedes Modell, das in der Animation jemals den Mund öffnen soll.

Die Entstehungsgeschichte dieses Assets hat sich organisch verselbstständigt. Alles begann mit einer simplen Kugel, in die ich einen funktionierenden Mund sculpten wollte. Um direkt auf die strukturelle Wichtigkeit von Augenlidern, Tränensäcken und Schlupflidern aufmerksam zu machen, legte ich diese anatomischen Details parallel mit an. Mit diesen Gesichtsmerkmalen mutierte die Geometrie unweigerlich zum Mondgesicht. Da das Sculpting von Kratern ohnehin verdammt viel Spaß macht, wurde das Ganze kurzerhand zu einer Hommage an Georges Méliès’ ikonischen Film von 1902.

Produktionstechnisch lief dieses Video komplett quer zur gewohnten Routine: Üblicherweise nehme ich die Sessions in Echtzeit mit allen Fehlern und Kommentaren auf. Hier habe ich den Workflow absichtlich stumm aufgezeichnet, das Footage im Schnitt kräftig beschleunigt (Time-Lapse) und das fertige Video im Nachhinein synchronisiert – eine völlig eigene didaktische Herausforderung.

Neben dem massiven Fokus auf die Topologie des Mundinnenraums reißen wir im Schnelldurchlauf Rigging, Skinning, Steuerungssysteme und die Animation einzelner schwebender Felsbrocken an. Bei Luna geht es explizit nicht um ein poliertes Meisterwerk für das Portfolio. Es ist eine fokussierte Sandbox: Ein überschaubarer Rahmen, um unvermeidbare topologische Komplikationen gezielt zu provozieren und zu lösen, bevor es im Curriculum endgültig an vollwertige, komplexe Charaktere geht.

Mit nur einem einzigen Video, dafür aber massiven drei Stunden Laufzeit auf Advanced-Level, ist Luna ein absoluter Sonderfall im Archiv. Wer hier einsteigt, betritt eine echte Grauzone der Character Creation: den Mundinnenraum bei gesculpteten Modellen. Ein Thema, über das fast niemand spricht und für das es kaum öffentliche Best-Practice-Lösungen gibt – das aber absolut unverzichtbar ist, sobald ein Charakter in der Animation den Mund öffnen soll.

Die Entstehung dieses Assets war reine Eigendynamik. Alles begann mit einer simplen Kugel und dem Versuch, einen funktionierenden Mund zu sculpten. Um die strukturelle Wichtigkeit von Augenlidern und Tränensäcken zu demonstrieren, kamen diese Details spontan dazu. Plötzlich starrte mich ein Mondgesicht an. Und da das Modellieren von Kratern einfach verdammt viel Spaß macht, wurde daraus kurzerhand eine Hommage an Georges Méliès’ ikonischen Film von 1902.

Auch produktionstechnisch brach Luna mit meiner Routine. Statt die Session wie üblich in Echtzeit mit allen Fehlern live zu kommentieren, habe ich stumm aufgezeichnet, das Material im Schnitt als Time-Lapse massiv beschleunigt und erst im Nachhinein vertont. Für den Dozenten in mir war das eine völlig neue, spannende didaktische Herausforderung.

Letztlich ist Luna explizit kein poliertes Meisterwerk für das Portfolio, sondern eine fokussierte Sandbox. Neben der Topologie des Mundraums reißen wir im Schnelldurchlauf Rigging, Skinning und Steuerungssysteme an. Es ist der perfekte, überschaubare Rahmen, um unvermeidbare topologische Komplikationen ganz gezielt zu provozieren und zu lösen – bevor man sich im Curriculum endgültig an vollwertige, komplexe Charaktere wagt.

#Zbrush, #Retopo, #3ds Max, #Rigging, #Slider

Modular Workflow

Mehr als nur die Summe der Einzelteile

Das Modular Workflows-Projekt mag mit kompakten 2 Videos und 2,3 Stunden auf Intermediate-Level überschaubar wirken, bringt aber konzeptionell massives Gewicht auf die Waage. Hier geht es nicht mehr darum, sich in einem einzelnen Modellierungs-Detail zu verlieren. Es geht um den systemischen Blick auf die gesamte Produktion: Wie baut man Asset-Bibliotheken, die flexibel, performant und fehlerfrei ineinandergreifen?

Beide Videos sezieren konzeptionelle Ansätze für die Erarbeitung intelligenter, systemischer Module:

Kitbashing & Texture-Budgets Das Brunnen-Video widmet sich einer KitBash-angelehnten Pipeline. Das Ziel: Die Erstellung verschiedenster, nahtlos kombinierbarer Assets, die alle aus einem einzigen, zentralen Texture-Set gespeist werden. Das Ergebnis ist ein Workflow, der eine enorme visuelle Vielfalt an zusammengesetzten Objekten generiert, dabei aber extrem sparsam und effizient mit dem Speicher- und Textur-Budget umgeht.

Grid-Systeme & Instanzierung Im Dorf-Video zerlegen wir komplexe Architektur, Props und Botanik in variable Grundbausteine. Mit wenigen, aber strikt in einem geometrischen Raster (Grid) konstruierten Einzelteilen lassen sich ganze Welten zusammenstecken. Der Clou: Durch geschickte Instanzierung und saubere Referenz-Hierarchien bleibt die Szene im Arbeitsspeicher absolut leichtgewichtig. Spätere flächendeckende Design-Änderungen (wie das Austauschen eines Dachziegel-Stils) lassen sich so mit wenigen Klicks global durchsetzen.

Der systemische Ansatz Dieses Projekt demonstriert gnadenlos, worauf es im Environment-Design wirklich ankommt: Sinnvolle geometrische Schnitte, saubere Kachelungen und ein striktes, mathematisches Raster. Es ist ein Paradebeispiel dafür, dass eine clevere, modulare Architektur am Ende wesentlich mehr liefert als nur die schlichte Summe ihrer Einzelteile.

Mit kompakten zwei Videos und knapp zweieinhalb Stunden Laufzeit auf Intermediate-Level wirkt dieses Projekt auf den ersten Blick recht überschaubar. Konzeptionell bringt es aber massives Gewicht auf die Waage. Hier geht es nicht mehr darum, sich stundenlang in einem isolierten Modellierungs-Detail zu verlieren. Der Fokus wechselt auf den systemischen Blick der gesamten Produktion: Wie baut man Asset-Bibliotheken so auf, dass sie flexibel, hochgradig performant und fehlerfrei ineinandergreifen?

Das Projekt seziert dabei zwei grundlegende Ansätze. Das erste Video rund um den Brunnen widmet sich voll und ganz einer Kitbash-Pipeline. Das klare Ziel: Eine Vielzahl unterschiedlichster, nahtlos kombinierbarer Assets zu erstellen, die alle aus einem einzigen, zentralen Texture-Set gespeist werden. Das Resultat ist ein Workflow, der enorme visuelle Vielfalt generiert, dabei aber extrem sparsam und effizient mit dem Speicher- und Textur-Budget haushaltet.

Im zweiten Video nehmen wir uns ein ganzes Dorf vor und zerlegen komplexe Architektur, Requisiten und Botanik in variable Grundbausteine. Wenn man diese Einzelteile strikt nach einem mathematischen Raster (Grid) konstruiert, lassen sich daraus buchstäblich ganze Welten zusammenstecken. Der eigentliche Clou liegt in der geschickten Instanzierung und den sauberen Referenz-Hierarchien: Die Szene bleibt im Arbeitsspeicher absolut leichtgewichtig. Müssen später flächendeckende Design-Entscheidungen geändert werden – wie etwa der Austausch eines kompletten Dachziegel-Stils –, lässt sich das über das System mit wenigen Klicks global durchsetzen.

Dieses Projekt demonstriert gnadenlos, worauf es im Environment-Design wirklich ankommt: Sinnvolle geometrische Schnitte, saubere Kachelungen und ein striktes Raster. Es ist ein Paradebeispiel dafür, dass clevere, modulare Architektur am Ende weit mehr ist als nur die schlichte Summe ihrer Einzelteile.

#3ds Max, #Instance, #Reference, #Snap, #UV, #KitBash

Opa erzählt vom Krieg

oder nicht mehr zeitgemäße Designs, die dennoch wertvolle Erfahrungen bergen.

Willkommen auf meinem digitalen – und latent verstaubten – Dachboden. Hier lagern 14 Projekte aus zweieinhalb Jahrzehnten Animation, didaktischem Größenwahn und glorreichen Sackgassen.

Hier gibt es keinen polierten Portfolio-Hochglanz, sondern ehrliche Antiquitäten der 3D-Pipeline: von harten Copyright-Fouls über ausufernde Monster-Rigs bis hin zur ungeschönten, nackten Topologie. Der eigentliche Zweck dieser Rubrik?
Schaut euch an, wie ihr direkt aus meinen Fehlern lernen könnt. Niemand muss das Rad jedes Mal aufs Neue erfinden – schon gar nicht, wenn ich die gröbsten Schlaglöcher längst für euch ausgefahren habe.

6.000 Frames im freien Fall

Dieses Projekt aus dem Jahr 2005 war ein äußerst lehrreicher Fehlschlag in meiner Laufbahn. Entstanden als nebenberufliche Auftragsarbeit, wurde es schnell ein Opfer seiner eigenen Ambitionen. Die Technologie war damals noch massiv limitiert, doch die Versprechen der Software-Hersteller waren groß – und ich wollte ihnen glauben.

Over-Engineering am Hardware-Limit Das Projekt war vollgestopft mit für damalige Verhältnisse absurden Techniken: Subsurface Scattering, Haar- und Cloth-Simulationen, volumetrische Cumulus-Wolkensysteme mit echtem Schattenwurf, prozedurale Bodentexturen mit verblendeter Kachelung, Windsysteme, Crowd-Animation und Partikel-Trigger. Das alles lief auf 32-Bit-Systemen, deren hartes Limit bei mageren 2 GB RAM lag. Wir reden hier von einer Ära weit vor der Existenz von Normal Maps. Wenn man bedenkt, dass heute Gaussian Splats Standard werden – dazwischen liegen technologische Welten.

Die radikale Notbremse Trotz vorheriger Machbarkeitstests hatte ich die schiere Datenmenge einer solch gigantischen Szene völlig unterschätzt. Um überhaupt ein Produkt im Zeitrahmen abzuliefern, blieb nur das Filetieren: Flora und Fauna wurden auf einen Bruchteil eingestampft, die Lichtqualität rigoros halbiert, Wetterwechsel gestrichen. Sogar das Drehbuch wurde komplett umgeschrieben – die Dramaturgie diktierte sich plötzlich danach, welche Modelle bereits funktionierten, und nicht mehr nach der eigentlichen Story.

Die ignorierte Regie Der eigentliche Groschen fiel erst Monate später beim analytischen Studieren professioneller Animationsfilme: Ich hatte eine essenzielle Kompetenz komplett vergessen – den Wert der Regie.

Mein Ansatz war es, eine riesige Bühne (fast wie eine offene Spielwelt) zu bauen, in der alles nahtlos und gleichzeitig existiert. Ein massiver Architektur-Fehler. Hätte ich die Story in klassische Shots zerschnitten und portioniert, hätte ich die verfügbaren Hardware-Ressourcen massiv im jeweiligen Kameraausschnitt verdichten können. Stattdessen quälte ich mich mit einem monströsen, monolithischen Animationsblock von rund 6.000 Frames in einer einzigen Datei ab. Jede noch so kleine Änderung wurde zum nervlichen Drahtseilakt, der unvorhersehbare Ketten-reaktionen auslöste.

Irgendwie ironisch, dass ich bei diesem Clip am Ende selbst am härtesten mit dem Schmetterlingseffekt zu kämpfen hatte.

Dieses Projekt aus dem Jahr 2005 war ein äußerst lehrreicher Fehlschlag. Entstanden als nebenberufliche Auftragsarbeit, wurde es schnell ein Opfer seiner eigenen Ambitionen. Damals, weit vor der Ära von Normal Maps und auf 32-Bit-Systemen mit einem harten Limit von mageren 2 GB RAM, wollte ich schlichtweg alles: Subsurface Scattering, Haar- und Cloth-Simulationen, volumetrische Wolken, Crowd-Animationen und Windsysteme.

Trotz vorheriger Tests kollabierte die Szene unter der schieren Datenmenge. Um überhaupt abliefern zu können, musste ich radikal filetieren: Die Lichtqualität wurde halbiert, Wetterwechsel gestrichen und das Drehbuch wurde kurzerhand danach umgeschrieben, welche Modelle überhaupt noch funktionierten.

Der eigentliche Fehler lag aber nicht in der Technik, sondern in der fehlenden Regie. Statt die Story in ressourcenschonende Kamera-Shots zu zerschneiden, baute ich eine gigantische, offene Spielwelt, in der alles gleichzeitig existierte. Das Resultat war ein monolithischer Animationsblock von rund 6.000 Frames. Jede noch so kleine Änderung löste unvorhersehbare Kettenreaktionen aus – der ultimative Schmetterlingseffekt.

Cartooneskes MoCap, reißende
Dynamics und der harte Cut

Basierend auf dem schmerzhaften Lehrgeld aus Chase Happy saßen Regie und Kameraschnitt diesmal. Doch der stetige Hunger nach technisch-kreativen Herausforderungen sorgte unweigerlich dafür, dass ich mich direkt auf die nächste, völlig andere Art übernahm.

MoCap meets Toon-Scaling Das Ziel war hochgesteckt und komplett ohne Vorerfahrung anvisiert: Eine nahtlose Überblendung aus selbst eingespielten, bereinigten Motion-Capture-Daten und einer völlig überzogenen, cartoonesken Skalierung der Gliedmaßen.

Physikalischer Wahnsinn Um dem Ganzen die Krone aufzusetzen, fand die Action in einer physikalisch kalkulierten Umgebung statt. Die ohnehin komplexen Rigid-Body-Dynamics wurden mit ineinander verwobenen Cloth- und Soft-Body-Simulationen gekreuzt, die sogar reißen und platzen konnten. Dazu kam eine sich im dramaturgischen Verlauf dynamisch ändernde Gravitation, die den Charakter – eingeschränkt durch geriggte Ragdoll-Constraints – physikalisch korrekt durch den Raum schleuderte. Ein kontinuierliches Brechen naturwissenschaftlicher Gesetze, das im realen Film unmöglich wäre und so die absolute Essenz des Mediums 3D ausspielte.

Der Schlamm-Shader als Schlussstrich Das Verrückte: Alle technischen Hürden wurden erfolgreich geknackt und die Trickkiste massiv erweitert. Doch das zeitliche Budget war aufgebraucht und die Euphorie schlicht verflogen. Der pragmatische Ausweg war ein harter Cut. Statt einer mühsamen Finalisierung wurde ein simpler, globaler Schlamm-Shader über die gesamte Szene gebügelt, um zumindest ein paar ansehnliche Test-Frames als Proof of Concept zu rendern. Das Projekt wird nach über 15 Jahren wohl nie beendet werden.

Die unsichtbare Stärke Der wahre Triumph dieses unvollendeten Clips liegt ohnehin unter der Haube: Eine absolut kompromisslose, saubere Dokumentation und Hierarchie. Benennungen, Ordnerstrukturen und Klassifizierungen sind so präzise aufgebaut, dass ich die Arbeit selbst heute, ohne große Einarbeitung, direkt wieder aufnehmen oder delegieren könnte. Ein Monument für nachhaltiges Pipeline-Design.

Nach dem schmerzhaften Lehrgeld aus „Chase Happy“ saßen hier Regie und Kameraschnitt endlich. Doch natürlich habe ich mich direkt auf die nächste, völlig andere Art übernommen: Das Ziel war eine nahtlose Überblendung aus selbst bereinigten Motion-Capture-Daten und einer völlig überzogenen, cartoonesken Skalierung der Gliedmaßen – komplett ohne Vorerfahrung.

Dazu kam ein physikalischer Wahnsinn aus Rigid-Body-Dynamics, kreuzenden Cloth- und Soft-Body-Simulationen (die sogar reißen konnten) und einer dynamischen Gravitation, die den Charakter als Ragdoll durch den Raum schleuderte. Ein kompromissloses Brechen physikalischer Gesetze, das die Essenz von 3D voll ausspielt.

Das Verrückte: Alle technischen Hürden wurden geknackt. Doch dann war das Zeitbudget aufgebraucht und die Euphorie verflogen. Als pragmatischen Schlussstrich habe ich einfach einen globalen Schlamm-Shader über die gesamte Szene gebügelt, um zumindest ein paar Test-Frames als Proof of Concept zu rendern. Der wahre Triumph dieses unvollendeten Clips liegt jedoch unsichtbar unter der Haube: Die Benennungen und Hierarchien sind so extrem sauber aufgebaut, dass ich das Projekt selbst heute, über 15 Jahre später, sofort wieder aufnehmen könnte. Ein Monument für nachhaltiges Pipeline-Design.

Vom QTVR-Grab zu 360°

Hier zeige ich einen völlig anderen Ansatz in Sachen Render-Optimierung und Pipeline-Rettung. Das Projekt war in seiner Ursprungsarchitektur auf eine interaktive QuickTimeVR-Navigation (QTVR) ausgelegt. Da dieses Format heute technisch massiv überholt ist und eine Darstellung in modernen Browsern schlicht keinen Sinn mehr ergibt, musste ein Plan B her.

Die Zylinder-Rettung Statt die Szene im Archiv sterben zu lassen, habe ich die drei unterschiedlichen Räume über hochaufgelöste 360-Grad-Renderings mittels zylindrischer Kameras komplett neu berechnet. Diese sphärischen Panoramen wurden im Anschluss in After Effects zu einem zusammenhängenden, linearen Video verwoben – ein pragmatisches Recycling-Manöver, um die Umgebung ohne interaktiven Overhead konsumierbar zu machen.

Photometrische Präzision & Displacement Ein kleines technisches Gimmick zieht in der Szene die Blicke auf sich: Eine Wasserwand, deren fließende Struktur komplett auf animiertem Displacement (also echter Geometrie-Verschiebung) basiert.

Der wahre Fokus des Projekts liegt jedoch auf dem strikten Lighting-Setup. Für die Ausleuchtung der Räume habe ich konsequent und ausnahmslos IES-Profile (photometrische Lichtdaten echter Industrie-Leuchtmittel) verwendet. Das Ziel war eine kompromisslos reale Lichtgebung, die physikalisch korrekte Intensitäten, präzise Lichtkegel und authentische Farbtemperaturen direkt in die Render-Engine übersetzt.

Hier zeige ich einen völlig anderen Ansatz in Sachen Render-Optimierung und Pipeline-Rettung. Ursprünglich war dieses Projekt für eine interaktive QuickTimeVR-Navigation konzipiert. Da dieses Format in modernen Browsern heute längst tot ist, drohte das Projekt im Archiv zu verstauben.

Als Plan B habe ich die Szene komplett neu berechnet: Über hochaufgelöste zylindrische Kameras entstanden 360-Grad-Panoramen, die anschließend in After Effects zu einem zusammenhängenden, linearen Video verwoben wurden. Ein pragmatisches Recycling, um die Räume ohne interaktiven Overhead wieder konsumierbar zu machen.

Neben einem kleinen optischen Gimmick – einer Wasserwand, die komplett auf animiertem Geometrie-Displacement basiert – liegt der wahre Fokus hier auf dem Licht. Für die Ausleuchtung habe ich konsequent IES-Profile echter Industrie-Leuchtmittel verwendet. Das Ziel war eine kompromisslos reale Lichtgebung mit physikalisch exakten Intensitäten, präzisen Lichtkegeln und authentischen Farbtemperaturen direkt in der Render-Engine.

Lavabälle und
die Kunst der Präsentation

Kein cineastischer Riesenwurf, aber konzeptionell eine absolut solide Fingerübung. gRRull ist ein klassischer Game-Character für die Steinwüste, dessen Mechanik ebenso simpel wie effektiv ist: Er sammelt Felsbrocken vom Wegesrand auf, knetet sie mit bloßen Händen zu glühenden Lavabällen und feuert sie als Projektile auf seine Gegner.

Portfolio-Tauglichkeit und Eigenmarketing Die spärliche Story war hier zweitrangig. Der eigentliche Fokus dieses Projekts lag auf dem Aufzeigen verschiedener, handfester Präsentationsmechaniken eines Assets: saubere Topologie-Verläufe, knackige Animationen, strukturierte LODs (Level of Detail) und die zielgruppengerechte Inszenierung. Wer sich mit seinen Arbeiten in einer Agentur bewirbt, punktet eben nicht mit einem nackten, lieblos in den Raum geworfenen Modell. Art Directoren bewerten unweigerlich die Lesbarkeit, die technische Aufbereitung und den Informationsgehalt der Präsentation. Genau dieses zwingende Mindset für sauberes Eigenmarketing in der Industrie bildet das Projekt ab.

Node-Exzess Ein kleiner Ausreißer durfte dennoch nicht fehlen: Der prozedural animierte Shader-Tree der pulsierenden Lava. Die komplex verschachtelten Node-Verknüpfungen tief im Material-Editor waren am Ende eine wunderbare technische Spielwiese – ehrlicherweise in diesem spezifischen Kontext aber auch ein ordentliches Stück reine Angeberei.

Kein cineastischer Riesenwurf, aber konzeptionell eine absolut solide Fingerübung. gRRull ist ein klassischer Game-Character, dessen Mechanik simpel und effektiv ist: Er sammelt Felsbrocken auf, knetet sie zu glühenden Lavabällen und feuert sie auf seine Gegner. Die rudimentäre Story war hier jedoch völlig zweitrangig.

Der eigentliche Fokus dieses Projekts lag auf dem Eigenmarketing für die Industrie. Wer sich in einer Agentur bewirbt, punktet nicht mit einem nackten Modell im leeren Raum. Art Directoren bewerten die Lesbarkeit, die technische Aufbereitung und die zielgruppengerechte Inszenierung. Genau das zeigt gRRull: saubere Topologie-Verläufe, knackige Animationen, strukturierte Level of Detail (LODs) und eine professionelle Präsentation.

Ein kleiner Ausreißer durfte dennoch nicht fehlen. Der prozedural animierte Shader-Tree der pulsierenden Lava mit seinen extrem verschachtelten Node-Verknüpfungen war eine wunderbare technische Spielwiese – und ehrlicherweise in diesem Kontext auch ein kleines Stück reine Angeberei.

Edgeloops im leeren Raum und das Mental-Ray-Brett

Hier werfen wir einen Blick zurück in längst vergangene Tage – in eine Ära der 3D-Produktion, lange bevor ernstzunehmende Sculpting-Software den Markt dominierte. Heutzutage ist ein organischer Character-Workflow, der ausschließlich auf klassischem Edgeloop-Modeling basiert, kaum noch vorstellbar.

Topologie-Training auf die harte Tour Doch genau dieser kompromisslose Prozess hatte einen massiven didaktischen Wert: Die mühsame Formfindung und das rein manuelle, punktgenaue Anlegen muskelbasierter Edge-Flows im komplett leeren 3D-Raum haben das topologische Grundverständnis auf eine Art und Weise geschult, die nachhaltiger nicht sein könnte. Wer seine Geometrie so aufbauen musste, versteht die Mechanik eines Meshes blind.

Der Shader-Exzess Auch das Material-Setup unter der Haube war ein echtes Kind seiner Zeit: Der damalige Haut-Shader des Mental Ray-Renderers hatte es absolut in sich. Wir sprechen hier von einem komplexen Konstrukt mit drei physikalisch separaten Hautschichten, individueller Lichtbrechung (Subsurface Scattering), Licht-Absorption und echten, einkalkulierten Venenebenen. Für ein reines, statisches Rendering war das objektiv betrachtet vielleicht maßlos übertrieben – aber in dieser Epoche war dieses Shader-Netzwerk extrem beliebt und schlichtweg ein absolutes technisches Brett.

Dieses Projekt steht ganz im Zeichen des klassischen, manuellen Edgeloop-Modelings. Bevor moderne Sculpting-Tools den Workflow dominierten, musste die organische Formfindung Polygon für Polygon im leeren Raum konstruiert werden.

Das erfordert ein tiefes, strukturelles Verständnis für Anatomie und die exakte Führung der Polygon-Schleifen, besonders in mimisch stark beanspruchten Bereichen wie dem Gesicht. Auch wenn der Prozess im Vergleich zu heutigen Workflows aufwendig erscheint, schult er das räumliche Denken und das Auge für eine saubere, deko- und deformationsfähige Topologie wie kaum eine andere Methode.

Unbarmherziger Autolack und geschummelte Refraktionen

Eigentlich bin ich kein großer Fan von Autos und der dazugehörigen Hard-Surface-Modellierung. Aber ich wollte diese klassische Industrie-Sparte auf meinem Weg durch die 3D-Welt nicht komplett ausblenden.

Autolack als Topologie-Polizei Um es kurz zu machen: Das Arbeiten mit Autolack-Shadern macht zwar Spaß, offenbart aber sofort jede noch so kleine Schwachstelle im Mesh. Die Glanzpunkte (Specular Highlights) gleiten über die Flächen und definieren für das Auge erst die Form. Hier verzeiht das Material keinen einzigen Fehler. Der nahtlose Übergang vom Kotflügel zur Karosserie erzwingt bereits eine absolut makellose Topologie. Doch die echte Hölle ist es, dafür zu sorgen, dass eine separate Tür exakt dieselbe Wölbung aufweist wie der Rest des Rumpfes – und das konsistent und bruchfrei über alle Subdivision-Level (Glättungsstufen) hinweg. So etwas läuft viel schneller aus dem Ruder, als man anfangs denkt. Mit den unzähligen, extremen Rundungen des VW Käfers hatte ich mir für diesen Ausflug unabsichtlich direkt einen ordentlichen Schwierigkeitsgrad ausgesucht.

Die Scheinwerfer-Illusion Ein weiterer massiver Stolperstein waren die Frontscheinwerfer mit ihren komplexen Riffel-Strukturen im Glas und den daraus resultierenden internen Lichtbrechungen. Nach etlichen nervenaufreibenden Fehlversuchen, das physikalisch korrekt durch die Engine berechnen zu lassen, zog ich die Reißleine. Ich griff stattdessen auf fotografierte und in der Postproduktion bearbeitete Refraktionen zurück, die ich in den Shader einspeiste.

Ist das in puristischer Hinsicht geschummelt? Absolut. Aber das visuelle Ergebnis war am Ende hundertprozentig überzeugend. Ein klassischer Fall von: Das Ergebnis rechtfertigt die Mittel.

Dieser Ausflug in die Automobil-Modellierung war eine harte Lektion in Sachen Präzision. Autolack verzeiht absolut keine Fehler in der Topologie, da die Spiegelungen und Glanzpunkte auf der Oberfläche jede noch so kleine Mesh-Inkonsistenz gnadenlos offenlegen. Die Kurven zwischen separaten Bauteilen wie Türen und Karosserie mussten exakt fluchten.

Die größte Hürde waren die Scheinwerfer. Anstatt die komplexen Glasriffel-Refraktionen physikalisch korrekt und extrem rechenintensiv simulieren zu lassen, habe ich auf einen pragmatischen Bypass gesetzt: Fotografierte und editierte Refraktions-Maps wurden direkt in den Shader gelegt.

Die Erkenntnis daraus? Die Glanzpunkte definieren die Form für das Auge, nicht das Mesh allein. Und wenn der physikalisch korrekte Weg die Pipeline blockiert, ist ein visuell überzeugender Fake das völlig legitime Mittel der Wahl.

FK/IK-Akrobatik, Fake-Shader und Joystick-Mimik

Eigentlich ein simpler Charakter, der als klassisches Maskottchen diente. Doch unter der unscheinbaren Haube stecken ein paar echte technische Leckerbissen, die einen genaueren Blick auf den Maschinenraum lohnen.

FK/IK-Blending in der Luft Bei der Animation komplexer Akrobatik – wie etwa eines Saltos – zeigt sich schnell, warum das nahtlose Überblenden der Gliedmaßen zwischen FK (Forward Kinematics) und IK (Inverse Kinematics) so essenziell ist. IK-Beine lassen sich im radialen Flug kopfüber oft nur extrem ungelenk und zittrig steuern. Schaltet man während des Sprungs jedoch auf komplette FK-Dominanz um, rotiert man schlichtweg den Schwerpunkt (die Hüfte), und die gebundenen Bewegungsbahnen der einzelnen Glieder folgen sauber, organisch und ohne unschöne Ausreißer.

Der 1-Sekunden-Fake-Shader Das Material dieses Charakters ist ein gigantischer Bluff. Der Shader basiert ausschließlich auf einer mathematischen Verschachtelung verschiedener Falloff-Maps mit variierenden Ausrichtungen und Kurven. Es gibt im gesamten Material keinerlei echte Glanzpunkte, physikalische Schatten oder Reflexionen – die Illusion ist nur perfekt gebaut. Das Resultat dieses konsequenten Verzichts auf echtes Raytracing? Spektakuläre Renderzeiten von unter einer Sekunde pro Frame. Ein weiterer massiver Vorteil: Da keine Raytrace-Samples berechnet werden müssen, ist die Animation absolut frei von jeglichen Flicker-Effekten.

Joystick-Rigging für BlendShapes Für unterschiedliche Mimiken mittels Morph Targets, BlendShapes oder Shape Keys muss klassischerweise jede einzelne Mund- oder Augenform vorab modelliert sein. Das bietet zwar reproduzierbare Kontrolle, endet im Workspace aber unweigerlich in einer gruseligen, kleinen Bibliothek abgetrennter Köpfe. Um diese Gesichtszüge über visuelle Joysticks in der Benutzeroberfläche zu steuern, muss man in den sauren Apfel beißen: Joysticks zu erstellen, ihre Pfade strikt einzuschränken und saubere, steuerbare Null-Koordinaten in einer lokalen Hierarchie anzulegen, ist trockene, mühsame Arbeit. Aber wenn das Setup erst einmal steht, ist das intuitive Animieren der Mimik im Alltag eine reine Freude.

Eigentlich ein unscheinbarer Charakter, der als klassisches Maskottchen diente. Unter der Haube stecken jedoch ein paar echte technische Leckerbissen. Bei den akrobatischen Sprüngen des Charakters war das nahtlose Überblenden der Gliedmaßen zwischen FK- und IK-Steuerung essenziell, um im radialen Flug kopfüber saubere Bewegungsbahnen ohne unschöne Ausreißer zu garantieren.

Das Material des Charakters ist ein gigantischer Bluff. Der Shader basiert komplett auf einer mathematischen Verschachtelung verschiedener Falloff-Maps. Es gibt keine echten physikalischen Schatten, Glanzpunkte oder Reflexionen. Dieser Verzicht auf Raytracing führte zu spektakulären Renderzeiten von unter einer Sekunde pro Frame und absolut flickerfreien Animationen.

Zusätzlich wurden die Gesichts-Morphs über UI-Joysticks verkabelt. Das Setup der lokalen Null-Koordinaten war zwar trockene Knochenarbeit, machte das Animieren der Mimik im Alltag danach aber zu einer extrem intuitiven Angelegenheit.

3ds Max Purismus und die endlose Schleife

Dieses Projekt zeigt die komplette Pipeline eines kompakten Animationsclips – allerdings unter bewusst erschwerten Bedingungen. Wer sonst keine Probleme hat, sucht sich eben welche: Ich hatte mir hier die strikte Regel auferlegt, absolut jeden Arbeitsschritt, inklusive der kompletten Texturierung, exklusiv innerhalb von 3ds Max zu lösen.

Biped und MotionFlow-Drehbücher Als Rig kam das klassische Biped-System zum Einsatz. Auch wenn es in die Jahre gekommen ist, bietet es für reine, händische Keyframe-Animationen nach wie vor extrem starke Werkzeuge und bleibt für diesen Zweck eines meiner absoluten Lieblingstools. Der Workflow war modular: Die Animationen wurden zuerst in isolierten Einzel-Clips angelegt und anschließend über ein MotionFlow-Drehbuch nahtlos aneinandergeblendet. Das Video demonstriert zudem tiefgehend, wie das Timing der Bewegungen kontinuierlich überprüft und korrigiert wird – eine unverhandelbare Kernkompetenz jeder Animation.

Curriculum vor Storytelling Die Dramaturgie des Clips ordnete sich dem eigentlichen Lehrplan komplett unter. Absolute Priorität hatten die einzelnen Grunddisziplinen und deren sauberes, verzahntes Zusammenspiel in der Pipeline. Das Storytelling stand ganz am Ende der Nahrungskette.

Das konzeptionelle Gimmick Um dem Ganzen dennoch einen erzählerischen Rahmen zu geben, ist die Animation als echter, unendlicher Loop konstruiert – und zwar sowohl dramaturgisch als auch bei den harten visuellen Frame-Anschlüssen. Das beweist: Selbst in der niedrigschwelligsten Profanität lässt sich am Ende immer noch ein spielerischer Anker finden.

Bei diesem Clip habe ich mir absichtlich Hürden eingebaut: Jeder einzelne Arbeitsschritt – bis hin zur Texturierung – musste zwingend innerhalb von 3ds Max gelöst werden. Wer sonst keine Probleme hat, sucht sich eben welche.

Für die Animation kam das klassische Biped-Rig zum Einsatz. Die Bewegungen wurden zuerst in isolierten Clips angelegt und anschließend über ein MotionFlow-Drehbuch nahtlos aneinandergeblendet. Dabei lag der absolute Fokus auf den technischen Grunddisziplinen und dem perfekten Timing – das erzählerische Storytelling stand ganz am Ende der Prioritätenliste.

Als konzeptionelles Gimmick ist die Animation als unendlicher Loop konstruiert, bei dem sowohl die Dramaturgie als auch die harten visuellen Anschlüsse nahtlos ineinandergreifen.

Händische Topologie und das universelle Requisit

Hier gilt eine klare, didaktische Empfehlung: Modelliere einen Totenschädel. Und zwar ganz bewusst nicht über den komfortablen Weg des modernen Sculptings, sondern über den alten, harten, händischen Edge-Loop-Workflow.

Räumliche Disziplin Diese unbarmherzige Methode zwingt zur absoluten räumlichen Disziplin. Sie schult die Navigation im leeren 3D-Raum extrem effektiv und erzwingt den Aufbau einer sauberen, maximal reduzierten Topologie ohne überflüssigen Polygon-Ballast.

Das Schweizer Taschenmesser der Pipeline Ganz nebenbei generiert man sich so ein Asset, das sich langfristig extrem vielseitig einsetzen lässt. Ein Schädel funktioniert immer: ob als narratives Accessoire, reiner Dekorationsartikel oder als ideales, formkomplexes Übungsobjekt für die weitere Pipeline – von der Texturierung über das Lighting bis hin zur Evaluierung von Kamera- und Rendersettings. So ein Modell ist universell nützlich, sieht in nahezu jedem Setup stark aus und taugt gelegentlich in der analogen Welt sogar als gehäkeltes Kuschelobjekt.

Eine klare Empfehlung für jeden, der 3D lernt: Modelliere einen Totenschädel. Und zwar ganz bewusst ohne die bequemen Sculpting-Tools von heute, sondern ganz klassisch über den manuellen Edge-Loop-Weg.

Das erfordert harte räumliche Disziplin. Es zwingt einen dazu, sich sicher im 3D-Raum zu bewegen und eine saubere, extrem reduzierte Topologie ohne unnötigen Polygon-Ballast aufzubauen.

Ganz nebenbei erschafft man so ein Asset, das sich langfristig extrem vielseitig einsetzen lässt – ob als narratives Requisit, Deko-Element oder als perfektes Übungsobjekt zum Testen von Texturen, Licht und Kamera-Setups. Ein Schädel funktioniert einfach immer.

ZBrush-Gehversuche und das
 550-Bones-Monster

Dieses Projekt markiert meine ersten Schritte in ZBrush. Es hat zwar etwas gedauert, bis die eigenwillige interne Logik der Software in meinen Denkprozess übergegangen ist, aber heute bin ich restlos davon überzeugt. Die Shader und Texturen dieses Modells sind in diesem Fall allerdings eine totale Katastrophe – vielleicht patche ich das irgendwann mal an einem leeren Nachmittag, aber sicher nicht jetzt.

Das CAT-Rig des Wahnsinns Warum dieses Projekt also trotzdem einen Platz im Archiv hat? Wegen des völlig übertriebenen Rigs. Ich kann mir bis heute kein anderes System als 3ds Max CAT vorstellen, das diesen strukturellen Wahnsinn so komfortabel hätte stemmen können. Das Konstrukt besteht aus insgesamt fast 550 Bones. Das Setup beinhaltet komplexe Joysticks, die vier Nüstern atmen lassen und Augenbrauen sowie Lippen kontrolliert rollen. Dazu kommen verschiedene Arten von Muskel-Bones (flächenbasiert und volumetrisch), die Überlappungen per Kollision sauber und automatisch abknicken lassen.

Prozedurale Wurzeln und tote Runtimes Der eigentliche technische Augenöffner ist jedoch das Wurzelwerk: Jeder einzelne Wurzelstrang ist eine hierarchische Verkettung mehrerer inverser Kinematiken (IK) mit automatischer Bodenabtastung und prozeduraler Animation – alles sauber isoliert, ohne dass sich die Stränge gegenseitig durchdringen. All das wurde mit mimischer Joystick-Verdrahtung und gelayerten (händischen wie prozeduralen) Animations-Layern auf lokaler und globaler Ebene kombiniert. Nach diesem Projekt wurde CAT für mich bei bestimmten Problemstellungen zum absoluten Go-to-System.

Zu meinem großen Bedauern funktioniert das Facial Rigging in heutigen Software-Versionen nicht mehr. Seit sich zugrundeliegende Microsoft-Runtime-Bibliotheken geändert haben, wurden scheinbar essenzielle CAT-Funktionen unwiderruflich zerschossen. Bone-Cluster nach individueller Gewichtung nahtlos zwischen vordefinierten Zuständen transformieren zu können, war damals schlichtweg der Knaller. Tja, Opa erzählt vom Krieg: Früher war eben alles besser… naja, sagen wir lieber manches.

Dieses Projekt markiert meine ersten Gehversuche mit ZBrush. Die Formgebung hat zwar gut funktioniert, aber die Shader und Texturen sind aus heutiger Sicht eine kleine Katastrophe. Der eigentliche Grund, warum dieses Projekt im Archiv bleibt, ist das völlig übertriebene Rigging.

Das Konstrukt besteht aus fast 550 Bones. Das Wurzelwerk ist eine hochkomplexe Verkettung mehrerer inverser Kinematiken mit automatischer Bodenabtastung und prozeduraler Animation. Dazu kamen Joysticks für die Mimik, atmende Nüstern und Muskel-Bones, die das Mesh bei Kollisionen sauber abknicken lassen. 3ds Max CAT war damals das ungeschlagene Go-to-System für solchen Wahnsinn.

Leider hat die Zeit dieses technische Meisterwerk eingeholt. Durch Updates in den Microsoft-Runtime-Bibliotheken sind wichtige CAT-Funktionen heute irreparabel defekt. Eine harte Lektion darüber, wie Software-Abhängigkeiten selbst das brillanteste Setup auf lange Sicht zerstoren können.

Das CAT-Layer-System und die
Disney-Prinzipien

Ein weiteres Projekt, das aufgrund eines abgelaufenen Semesters nie finalisiert wurde. Als Dozent stand hier jedoch ohnehin nicht das polierte Endprodukt im Fokus, sondern der rein didaktische Zweck: Der Lehrauftrag für den Kurs war mit diesem methodischen Stand bereits voll erfüllt.

Iterativ nach Lehrbuch Peng demonstriert tiefgehend den Einsatz des CAT-Layer-Systems, um Animationen streng nach den klassischen Disney-Prinzipien iterativ aufzubauen. Der Workflow wandert strikt von Pose zu Pose, über präzise definierte Zwischenschritte (Breakdowns), bis hin zur fertigen, flüssigen Bewegung.

Sichtbares Timing und saubere Backups Viele Nuancen – gerade was feine Anpassungen in Bewegung und Timing angeht – werden für die Studierenden oft erst im unmittelbaren Vorher-Nachher-Vergleich wirklich greifbar. Das Animation-Layer-System bietet exakt diese direkte Gegenüberstellung per Knopfdruck und fungiert gleichzeitig als absolut sauberes, non-destruktives Backup während des gesamten Animationsprozesses.

Ein Projekt, das aufgrund eines endenden Semesters nie ganz fertiggestellt wurde – was aber völlig in Ordnung ist, da der didaktische Lehrauftrag zu diesem Zeitpunkt bereits voll erfüllt war.

Anhand von Peng lässt sich hervorragend demonstrieren, wie Animationen nach den klassischen Disney-Prinzipien iterativ aufgebaut werden. Der Workflow verläuft strikt von der ersten groben Pose, über gezielte Zwischenschritte, bis hin zur flüssigen Endbewegung.

Mithilfe des CAT-Layer-Systems lassen sich die feinen Nuancen in Bewegung und Timing im direkten Vorher-Nachher-Vergleich perfekt analysieren. Das System bietet nicht nur wertvolle visuelle Kontrolle, sondern dient gleichzeitig als absolut sicheres, non-destruktives Backup während der gesamten Animationsphase.

Anatomie-Fallen, Seil-Rigging
und geplatzte Morph-Träume

Dieses Projekt wird von drei zentralen Baustellen definiert, von denen jede ihre ganz eigenen technischen und visuellen Tücken bereithielt.

Die Täuschung der Kinder-Anatomie Die Proportionen von Kindern sind in der 3D-Modellierung extrem irritierend. Selbst wenn die Relationen mathematisch und anatomisch absolut korrekt umgesetzt sind, wirken sie auf das Auge oft instinktiv falsch. Das macht die Formfindung zu einem ständigen Kampf gegen die eigene Wahrnehmung.

Seile und Silhouetten Seile und komplexe Verknotungen direkt über einen dynamischen Körper zu riggen und zu skinnen, ist eine nicht unerhebliche Hürde, die mit äußerstem Bedacht angegangen werden muss. Der visuelle Payoff ist dafür enorm: Seile erzeugen blitzschnell starke Strukturen und extrem prägnante Silhouetten, die das menschliche Auge sehr dankbar liest.

Vector Displacement auf Abwegen Das ambitionierteste Feature war das geplante Morphing-Setup. Das Kind sollte über einen einzigen globalen Kontroll-Slider fließend von einem normalen Zustand in einen Zombie übergehen – inklusive sich verändernder Texturen und prozedural herauswachsender Geometrien wie Hörner. Die harte Lektion aus dem R&D: Vector Displacement arbeitet auf statischer Geometrie hervorragend und berechenbar, entpuppt sich auf einem dynamisch animierten Mesh jedoch schnell als instabil und schwer kontrollierbar.

Der pragmatische Cut Da die grundlegende Morphing-Mechanik die eigenen Erwartungen am Ende nur halbwegs erfüllen konnte, wurde konsequent die Reißleine gezogen. Die eigentliche Vision für das Finale – das Entfachen gewaltiger magischer Partikelströme und eine ausufernde Special-FX-Show während der Beschwörung – wanderte ungesetzt in die Schublade.

Drei große Baustellen definierten dieses Projekt. Zunächst die irritierenden Proportionen von Kindern: Selbst wenn sie mathematisch und anatomisch absolut korrekt gebaut sind, wirken sie auf das menschliche Auge im 3D-Raum oft instinktiv falsch.

Die zweite Herausforderung waren die Seile und Verknotungen am Körper. Diese über ein dynamisches Mesh zu riggen und zu skinnen, erfordert enormen Aufwand, belohnt den Betrachter aber sofort mit starken und einprägsamen Silhouetten.

Gescheitert ist das Projekt letztlich an einem ambitionierten Morphing-Setup. Das Kind sollte sich über einen Slider fließend in einen Zombie verwandeln. Die harte R&D-Erkenntnis: Vector Displacement arbeitet auf statischen Modellen hervorragend, entpuppt sich auf animierten Meshes jedoch als extrem unberechenbar. Da das Fundament nicht überzeugte, wurde konsequent die Reißleine gezogen und die geplante Partikelshow für das Finale pragmatisch gestrichen.

Eigendynamik, Metaballs und
die Intellectual Property-Falle

Ein klassischer Fall von unbeabsichtigter Eskalation. Was als simple 90-Minuten-Fingerübung in ZBrush für den Unterricht gedacht war – reines SubTool-Management für den Papierkorb –, entwickelte plötzlich ein unaufhaltsames Eigenleben.

Vom Papierkorb zur R&D-Sandbox Da die Basis plötzlich taugte, flogen die Arbeitsschritte nur so durch die Pipeline: Schnelle Retopologie des Fellklumpens in Maya, zügiges Unwrap, Shader, Texturen und ein rasches Rigging-Setup. Plötzlich stand da ein voll funktionsfähiges, animierbares Asset. Diese Eigendynamik verwandelte das Projekt in eine massive technische Spielwiese: Die unheilige Allianz aus CAT- und Biped-Rigs im selben Workspace, das Testen von Fell-Dynamiken in der Animation und das Rendern von Metaballs über Thinkbox Frost.

Das rechtliche Todesurteil Der Haken an diesem technischen Feuerwerk? Es basiert komplett auf den Yeti-Comics von Joscha Sauer. Weder Design noch Storytelling sind eigenes geistiges Eigentum. Auch wenn es als ehrfürchtige Fan-Art entstanden ist – rechtlich und vor allem für das eigene Portfolio ist das Projekt damit tot. Die Konsequenz, dieses Material niemals der Öffentlichkeit präsentieren zu können, ist der notwendige Respekt vor der Kunst des Urhebers.

Gestalterische Nachhaltigkeit Das ist die bittere, aber essenzielle Lektion mit dem erhobenen Zeigefinger: Hätte man anfangs eine einzige Stunde in eigene, vielleicht unperfekte Scribbles investiert, wären tagelange R&D-Arbeiten heute als Portfolio-Piece voll verwertbar. Die harte Konsequenz für die Zukunft: Fremde Designs werden nur noch zur Inspiration bewundert, gebaut wird ab sofort ausschließlich eigenes Material.

Ein klassischer Fall von ungeplanter Eskalation mit einer bitteren Lektion am Ende. Was als kurze, 90-minütige Fingerübung für den Unterricht gedacht war, entwickelte plötzlich eine gewaltige Eigendynamik und wuchs zu einer massiven technischen Spielwiese heran.

Plötzlich wurde der Charakter komplett animiert, verschiedene Rigging-Systeme wurden im selben Workspace kombiniert und komplexe Fell-Dynamiken getestet. Das Problem an diesem Feuerwerk? Das Design basierte auf den Yeti-Comics von Joscha Sauer. Es war reine Fan-Art.

Auch wenn es ein großartiges Übungsprojekt war, besitze ich keinerlei Rechte daran und werde es aus Respekt vor dem Urheber niemals veröffentlichen. Die harte Lektion: Hätte ich anfangs eine Stunde in eigene Skizzen investiert, wäre die wochenlange Arbeit heute voll für das Portfolio verwertbar. Seitdem gilt für mich absolute gestalterische Nachhaltigkeit – gebaut werden ausnahmslos nur noch eigene Entwürfe.

Chirurgie am Mesh und interaktive Analyse

Bei diesem Projekt schwingt ein gewisses Bedauern über die fehlende Video-Dokumentation mit. Den methodischen Ansatz einer stark reduzierten, aber punktgenau platzierten Topologie im Bewegtbild festzuhalten, wäre für die Analyse extrem spannend gewesen.

Der Hands-on-Pragmatismus Stattdessen wählt die Präsentation den direkten, unkommentierten Weg der fertigen Endversion. Durch die Einbindung eines 3D-Geometrie-Viewers wird die Kontrolle komplett an den Betrachter übergeben. Mit linker und rechter Maustaste sowie dem Scrollrad lässt sich das Modell frei im Raum rotieren und inspizieren. Das erzwingt ein genaueres Hinsehen: Die Edge-Flows müssen selbstständig abgeleitet werden, was ohnehin der effektivste Ansatz zum Nachvollziehen, aktiven Mitdenken und schlussendlichen Nachbauen ist.

Bei diesem Modell bedaure ich es fast, den Entstehungsprozess nicht als Video dokumentiert zu haben. Den methodischen Ansatz einer extrem reduzierten, aber punktgenau platzierten Topologie im Bewegtbild entstehen zu sehen, wäre sehr spannend gewesen.

Stattdessen geht die Präsentation hier den direkten, interaktiven Weg. Über den eingebundenen 3D-Viewer lässt sich die fertige Geometrie frei im Raum drehen, zoomen und inspizieren.

Das erzwingt ein genaueres Hinsehen: Die Edge-Flows müssen vom Betrachter selbstständig abgeleitet und entschlüsselt werden. Diese aktive Inspektion ist für das tiefe Verständnis und das eigene Nachbauen letztlich viel effektiver als jedes passiv konsumierte Video-Tutorial.